When Camille Graeser’s sketches become studies, studies become wallpapers, textiles, or paintings, design reveals itself as a process, not just a result. At von Bartha on Kannenfeldplatz – a place that itself embodies change – the story of the Swiss concretist continues to unfold: The exhibition IHR camille graeser shows how within the austerity of concrete art, personal handwriting, creative freedom and narrative depth unfold - and how much humanity is perceptible in it.

At first glance, concrete art appears to be abstract. Yet it is fundamentally different: While abstract art reduces or alienates existing forms, concrete art completely dispenses with references to the tangible world. It is a choreography of form, color, and order, shaped by decisions, bound by systems, and open to the ability to break them.

It is apparent in his later sketches that Camille Graeser, who only achieved international recognition for his art at the age of 60, began his career with an apprenticeship as a carpenter: Measurements are noted on the sides in pencil with pinpoint accuracy. In his surprisingly ornate handwriting—hardly attributable to a representative of concrete art—there are regular notations such as “Oben” or simply the letter “O,” centered at the top edge of the drawing to indicate the orientation. They, too, are testimonies to the past, silent references to a career that began in craftsmanship and found expression in art.

Camille Graeser's creative process—the arc of suspense from strict geometric order to the liberty that lies in the concrete—is made impressively clear in the exhibition. The vitrines, each with a colored interior, hold sketches, drafts, and studies instead of finished works. Even though they are behind plexiglass, the presentation allows for an intimate look into Camille Graeser's artistic practice. It demonstrates that artistic creation is always tied to detours, doubts, and the failure of ideas. For murals, textiles, or wallpapers, Graeser often sketched his designs on squared paper. Here, one can see how he played with formulas and color schemes, tested them, varied them, and disrupted them. A journey of navigating rules, constantly questioned, reinterpreted, and reinvented. There lies an enormous autonomy in this: suddenly, a square tips, rotates, and tilts out of order. Flexibility and diversity in order.

A particularly vivid example of Camille Graeser's ability to take his designs further, abstract them, and transform them into ever-new forms is the work Zartes Lineament from 1949. It begins as a composition created with colored pencil on gridded paper—geometrically arranged, colorful, precise—initially transforms into an autonomous work of art, and later finds its way into the fluent linear drawing of a chaise lounge.

The transition from the austere to the organic, from image to object, testifies to a creative way of thinking that brings art and design into an ongoing dialogue. The exhibition picks up on this shift—from sketch to idea, from furniture to painting—and translates it into a curatorial concept that interweaves art, architecture, and history and makes it a spatial experience.

Even the clear, white, minimalist gallery space, formerly a car repair workshop, is part of this concept. Right at the beginning, the soberness is interrupted by a radiant red and white wallpaper taking up a whole wall, yet harmoniously fitting into the overall composition. The pattern is based on a work by Camille Graeser, conceived initially as a textile proposal, that was then translated onto the exhibition wall. It is proof of the closeness of art, space, and design, and an example of how profoundly the exhibition explores Graeser's creative thinking process, not just his creations.

More than 200 works on paper, photographs, and personal notes—some previously unpublished—offer an insight into Graeser’s approach, world of ideas, and visual practice.

Two current collaborations with Swiss arts and crafts producers are particularly impressive: The Anku manufactory created a wooden chair based on a model by Camille Graeser. “All the shapes and dimensions were taken from the original, but as an artist, I still had some liberties,” says Anku founder Nicolas Petit-Barreau. “For example, I suggested an oiled surface to give the classic chair shape a contemporary look.”

A new merino wool blanket, created by Fabia Zindel and produced by Matrix Basel, is based on Camille Graeser's work Drei progressive Kontraste from 1944. “I didn't want to imitate Graeser, but rather reinterpret his language,” says Zindel. "I was particularly fascinated by how his work as a designer and artist intertwines. Some textile creations led to paintings, and vice versa."

And so, the exhibition of a concretist unfolds in a surprising and diverse way, far beyond the presentation of finished works. It speaks of origins and juxtaposes discipline and expression, craft and art, the past and the present. From the idea to the sketch, from doubt to form, and ultimately, the exhibition is about a human. In this case, Camille Graeser. Approachable, raw, and human—just as art should be. The exhibition is in such a spirit and says goodbye, with a silent greeting on the way out. Yours, Camille Graeser.

***German Version: Und plötzlich kippt ein Quadrat ***

 Bei Camille Graeser wurde eine Studie zur Skizze, eine Skizze zu Tapete, Textil oder Bild. Gestaltung zeigte sich als Prozess – nicht nur als Ergebnis. Bei von Bartha am Kannenfeldplatz – ein Ort, der selbst für Wandel steht – wird die Geschichte des Schweizer Konkretisten weitergeschrieben. Die Ausstellung *IHR Camille Graeser *zeigt, wie sich in der Strenge konkreter Kunst persönliche Handschrift, kreative Freiheit und erzählerische Tiefe entfalten – und wie viel Menschliches darin spürbar ist. 

Konkrete Kunst wirkt auf den ersten Blick abstrakt. Doch sie unterscheidet sich grundlegend von ihr: Während abstrakte Kunst reale Formen reduziert oder verfremdet, verzichtet die konkrete Kunst vollständig auf Anlehnungen an die sichtbare Welt. Sie ist autonom – ein Spiel aus Form, Farbe und Ordnung. Und dennoch erzählt auch sie: von Entscheidungen, von Systemen – und von der Freiheit, sie zu unterbrechen. 

Dass Camille Graeser, der erst mit 60 Jahren mit seiner Kunst zur Berühmtheit gelangte, seine Laufbahn mit einer Schreinerlehre begann, lässt sich in seinen späteren Skizzen deutlich erkennen: Mit Bleistift sind millimetergenau Masse an den Seiten notiert. In seiner überraschend verschnörkelten Handschrift – kaum einem Vertreter der konkreten Kunst zuzuordnen – finden sich häufig Hinweise wie Oben oder schlicht ein O, mittig am oberen Bildrand. Auch sie sind Zeugnisse der Vergangenheit – stille Hinweise auf eine Laufbahn, die im Handwerk begann und in der Kunst ihren Ausdruck fand. 

Auch der kreative Prozess Camille Graesers – dieser Spannungsbogen zwischen strenger geometrischer Ordnung und der Freiheit, die in der Abstraktion liegt – wird in der Ausstellung in der Galerie von Bartha auf eindrucksvolle Weise nachvollziehbar. In Vitrinen auf farbigem Boden sind selten fertige Werke zu sehen, sondern Skizzen, Entwürfe und Studien. Auch wenn sie hinter Glas liegen, erlaubt die Präsentation einen intimen Blick in Camille Graesers kreativen Prozess – und macht spürbar, dass künstlerisches Schaffen stets auch mit Umwegen, Zweifeln und dem Scheitern von Ideen verbunden ist. Oft skizzierte Graeser seine Entwürfe auf kariertem Papier – für Wandbilder, Textilien oder Tapeten. Man sieht, wie er mit Formeln und Farbschemata spielte, sie erprobte, variierte, durchbrach. Ein Weg durch Regeln – immer wieder hinterfragt, neu interpretiert, neu erfunden. Darin liegt eine enorme Freiheit: Plötzlich kippt ein Quadrat beispielsweise aus der Ordnung, wird gedreht – Freiheit und Vielfalt in der Ordnung. 

Ein besonders anschauliches Beispiel für Camille Graesers Fähigkeit, seine Entwürfe weiterzudenken, zu abstrahieren und in immer neue Formen zu überführen, ist das Werk Zartes Lineament. Was als mit Farbstift auf gerastertem Papier angelegte Komposition beginnt – geometrisch angeordnet, farbig, präzise –, verwandelt sich zunächst in ein autonomes Kunstwerk und findet später als fliessende Linie Eingang in das Design einer 

Chaise Lounge. Der Übergang vom Strengen zum Organischen, vom Bild zum Objekt, zeugt von einem gestalterischen Denken, das Kunst und Design in einen fortwährenden Dialog bringt. Die Ausstellung greift diesen Wandel auf – von der Skizze zur Idee, vom Möbel zum Gemälde – und überträgt ihn in ein kuratorisches Konzept, das Gestaltung, Raum und Geschichte miteinander verwebt. 

So wird der Dialog von Kunst und Design auch räumlich erfahrbar. Der Ausstellungsraum selbst ist Teil dieses Konzepts: ein klarer, weiss gehaltener, reduzierter Ort, dessen Vergangenheit als Werkstatt nur noch in Details aufscheint. Und doch wird gleich zu Beginn die strenge Ordnung unterbrochen: Eine Wand mit rot-weisser Tapete durchbricht das Nüchterne, nimmt Raum ein – und fügt sich dennoch harmonisch in die Gesamtkomposition. Gegenüber hängt das Werk Camille Graesers, das diesem Eingriff zugrunde liegt. Ursprünglich als Textilentwurf gedacht, wurde es für die Ausstellung in eine Tapete übersetzt – eine Transformation, die zeigt, wie nah sich Gestaltung, Kunst und Raum kommen können. 

Auch dies ist nur ein Beispiel dafür, wie intensiv sich die Ausstellung mit Graesers gestalterischem Denken auseinandersetzt – nicht nur in seinen Resultaten, sondern auch in seinem künstlerischen Prozess. Über 200 Papierarbeiten, Fotografien und persönliche Notizen – viele davon bislang unveröffentlicht – zeichnen den intimen Einblick in Camille Graesers Herangehensweise seines Schaffensprozesses in der Ausstellung. 

Besonders eindrucksvoll sind zwei aktuelle Kollaborationen mit Schweizer Kunstgewerbebetrieben: Die Manufaktur Anku realisierte einen Holzstuhl nach Camille Graesers Entwurf. „Alle Formen und Maße wurden dem Original entnommen, dennoch hatte ich als Künstler einige Freiheiten“, so Anku-Gründer Nicolas Petit-Barreau. „Ich schlug etwa eine geölte Oberfläche vor, um der klassischen Stuhlform ein zeitgemäßes Aussehen zu verleihen.“ Auch eine Merinowolldecke, entworfen von Fabia Zindel und produziert von Matrix Basel, basiert auf Camille Graesers Werk Drei progressive Kontraste. „Ich wollte Graeser nicht imitieren, sondern seine Sprache neu interpretieren“, sagt Zindel. „Besonders faszinierte mich, wie seine Arbeit als Designer und Künstler ineinandergreifen. Einige Textilentwürfe führten zu Gemälden – und umgekehrt.“ 

So formt sich in einer Vielfältigkeit eine Kunstausstellung eines Konkretisten, die mehr zeigt als nur Werke. Sie erzählt von Herkunft – zwischen Disziplin und Freiheit, zwischen Handwerk und Gestaltung, zwischen Vergangenheit und Gegenwart. Von der Idee bis zur Skizze, vom Zweifel bis zur Form – und letztlich: vom Menschen. In diesem Fall Camille Graeser. Nahbar, roh und menschlich – so, wie Kunst sein darf. Und in diesem Sinne verabschiedet sie sich auch: mit einem stillen Gruss beim Hinausgehen. IHR Camille Graeser.